art-leomar

domingo, 11 de marzo de 2007

PREVIEM ARTISTIC GATHERING No 2


RUIZ HEALY ART, Inc.

Artistic Gathering #2, to be held on March 8th, will serve as a local preview of works being taken to Miami’s Arteaméricas fair in March. Artists featured at this event as well as Arteaméricas include: Sergio Fasola, Cristina Fresca, Pedro Friedeberg, Leomar, Cecilia Miguez, Americo Hernandez, Ángel Rodríguez-Díaz, Ray Smith, and Shinzaburo Takeda.

Ruiz-Healy Art
By Appointment Only
San Antonio, Texas
P: 210-804-2219 / F: 210-804-1320

jueves, 8 de marzo de 2007

LEOMAR EN VISA O-PLATINUM

TARJETA O-PLATINUM


* Es una tarjeta de crédito que cuenta con la plataforma Visa Platinum.

* Es una tarjeta de crédito Platinum Visa


* Acceso a los beneficios de "O Conceptual" (revista, servicios de asesoría, servicio de concierge, seguros exclusivos) sin costo alguno


*Servicios exclusivos de asesoría en Arte, Arquitectura, Diseño de interiores, Diseño grafico, Fotografía, Gastronomía, Vinos,Moda, Joyería y Relojes, Wellness, Viajes, servicios Financieros• Seguros y servicios de asistencia Visa sin costo


* Aceptación en más de 28 millones de establecimientos y acceso a la red de 800 mil cajeros alrededor del mundo


LEOMAR

Masaryk 49, mezzanine, Col. Chapultepec Morales
Naturaleza Muerta es un proyecto de instalación, pintura, objetos e intervención del artista visual Leomar (Orizaba, Ver. 1977) para O Galería. Su obra se enmarca dentro de lo que genéricamente se llama `arte in situ, cuyo objetivo es activar prácticas creativas en un espacio concreto, poniendo en relación especificidades diversas de lugares, temas y materiales, que inciden en un mismo tiempo dentro del flujo de acontecimientos del ámbito social. El presente trabajo parte de la necesidad de contribuir al cuidado de la naturaleza. No se intenta una mera representación del entorno, la principal motivación es cuestionar "el porqué" de nuestra cada vez más acelerada contribución al deterioro del medio ambiente.La obra se enfoca en varios temas a tratar: Naturaleza, Ciencia, Migración y Globalización, por ello la importancia e interés de la muestra. Este proyecto intenta señalar cómo el arte mediante el uso de sus conceptos y medios puede contribuir al cuidado del entorno natural, que dicho de otra manera es el cuidado de nuestra casa, de nosotros mismos.

lunes, 5 de marzo de 2007

ARTEAMERICAS 07. Miami, FL.


Ruiz-Healy Art
País:USA

Info:By appointment only
San Antonio, Texas. USA
T. 210 804 22 19
F. 210 804 13 20
C. 210 602 65 32
Grupo:Director: Patricia Ruiz - Healy
Assistant Director: Katy Alexander
Curator: Graciela Kartofel

Exhibiting artists
Pedro Friedeberg - Ray Smith - Cristina Fresca - Cecilia Míguez - Sergio Fasola Ángel Rodríguez Díaz - Shinzaburo Takeda - Sandro Pereyra - Américo Hernández
Leomar

sábado, 3 de marzo de 2007

CASA ATARAZANAS COLECTIVA

"Rostros de Carnaval", colectiva de más de 30 artistas plásticos veracruzanos
«El tema del Carnaval se presta para la transfiguración plástica», comenta Néstor Andrade, director del Centro Cultural Atarazanas.

COLECTIVA FIN DE AÑO


OBRA DE LOS ARTISTAS

ALFREDO ANGUIANO - AREJOV - HANS ANSCHULTZ
CONCEPCION BAEZ - EMILIO BAZ VIAUD
FELICIANO BEJAR - HECTOR CARDENAS
PILAR CASTAÑEDA - JOAQUIN CASAS
RAMSES DE LA CRUZ - ALFONSO DURAN VAZQUEZ
ELVIRA GAZCON - HENRY HAGAN
ARMANDO HATZCORSIAN - ROBERTO HUMPHREY
ERIC LEDOUX - LEOMAR - JORGE LUNA
ANTONIO MENENDEZ - OVANDO
FERNANDO PACHECO - ZAUL PEÑA
JUAN SORIANO - ARMANDO VILLAGRAN
CARLOS VILLEGA IVICH - GUILLERMINA ZENTENO

GALERIA 13


El próximo 7 de diciembre del presente año, tenemos el honor de invitarles a la apertura de nuestro nuevo espacio “Galeria 13 ”, conformado por una galería y un Project room, dedicado a la producción, difusión y promoción de arte contemporáneo.En esta primera muestra e inauguración del espacio presentaremos una colectiva, con obras de los artistas CARLOS MATIELLA, ALFONSO BARRERA, JOSÉ MATIELLA, JENS KULL, SUPREMO VENGADOR, IVÁN MEZA, LUIS RE, LEOMAR, ISAAC TORRES, JOAQUIN SEGURA, RENATO GARZA y BALAM BARTOLOMÉ.

GAL. RUIZ-HEALY ART, San Antonio.Tx.

SUBASTA GRUPO DE LOS 16


XXVI Venta Anual de Arte, Grupo de los Dieciseis
Hacienda de Los Morales. México, DF.


La vigesimosexta venta anual de arte organizada por el Grupo de los Dieciseis, se llevará a cabo en el salón LA TROJE de la Hacienda de los Morales, Ciudad de México, este 18 de octubre a las 19:00 h.

LEOMAR / FRAGMENTOS


FORO DE ARTE CONTEMPORANEO


EL INSTITUTO VERACRUZANO DE CULTURA
Y
EL MUSEO DE ARTE DEL ESTADO
INVITAN


Primer Foro Estatal de Arte Contemporáneo
“PERSPECTIVAS DEL PASADO Y POSTMODERNIDAD”

Dice Ilya Kabakov destacado artista ruso contemporáneo: “El arte moderno tiene que ver con una extraordinaria confianza de cada artista en su propio genio, con la confianza de que están revelando una verdad profunda y de que son los primeros en hacerlo. La conciencia del postmodernismo surge en una sociedad que no necesita nuevos descubrimientos, una sociedad que intercambia informaciones, que acepta todos los lenguajes posibles y establece interrelaciones entre ellos. Se podría afirmar que la postmodernidad se yuxtapone a todo lo que le ha procedido en el pasado, mientras que el postmodernismo significa sobre todo la participación en un mundo interconectado, en una red de vida artística…”

En este siglo que empieza, los museos de México y el mundo deben afrontar retos, desafíos que se encuentran estrechamente vinculados a factores tan disímbolos como son los avances tecnológicos, los cambios en las políticas públicas así como la existencia de sociedades que cada vez participan de manera mas activa en el ámbito cultural. Las comunidades buscan en los museos no solo su reflejo histórico o cultural, también esperan ver en ellos aportaciones a los puntos de vista sobre el entorno: propuestas que abran puertas u ojos al futuro.

Esta situación debe ser vista como una oportunidad para reflexionar y trabajar en un proyecto que permita a nuestros espacios constituirse en recintos que faciliten la compresión y la difusión de sus acervos, que estimulen el aprendizaje, que brinden experiencias significativas y que promuevan la participación ciudadana. Y sobre todo, que convivan con la aspiración, el legado, la reflexión, la crítica o la provocación, es decir, con la nueva cara cambiante de las sociedad.

Veracruz ha tenido una notable participación en la historia del arte de este país, sus artistas han sido actores fundamentales en la transformación de los procesos estéticos y culturales en México. Es precisamente el Museo de Arte del Estado, el mejor testimonio de ese desarrollo, manifestado a través de su acervo pictórico. Hoy sentimos necesario hacer un diagnóstico de las circunstancias y razones del arte actual, quién con sus protagonistas y la reflexión de diálogos estéticos del pasado fusionados con la modernidad, podremos hacer una evaluación de lo antes mencionado, este camino es posible alcanzarlo a través de un foro, quién tiene los siguientes propósitos.


Graciela Kartofel. Curadora NY. Leomar. Artista visual. Maria Teresa Espinoza. Critica de arte. Sergio Rosete. Director del Museo de Arte del Estado. Rene Ayashi. Artista visual. Irving Dominguez. Cuardor y Critico de arte. Editor de Arte al Dia Mex.

Notas:

Periodistas en linea.*
www.periodistasenlinea.com
jueves, 28 de septiembre de 2006.

El Gobierno del estado de Veracruz, el Instituto Veracruzano de Cultura a través del Museo de Arte del Estado convocan al evento que inicia este día, viernes 29 de septiembre, a las cinco de la tarde con la inauguración del foro, luego de la cual se inicia la jornada con la participación del profesor Juan Pablo Villegas Pastor con el tema: "Arte y Política, actuando como moderador el licenciado Sergio Rossete.

Continuaran con el debate en torno al papel del artista actual, "snobismo y desmitificación" con la participación de Lourdes Espirí, Fernando Vázquez y Huri Bajau, teniendo como moderador a Adrián Sánchez Oropeza. El tercer tema será relacionado con el “Mecenazgo y mercado de arte” con la participación de Mónica Ashida y Lucía Muñoz. Finalizando así las actividades del viernes.
El sábado, se presentara Per Anderson con el tema: "La gráfica contemporánea en México", continuando Sergio Martínez con: "La ilustración Veracruzana". El segundo tema será sobre “Medios, tecnología y otros códigos del arte”, con la participación de Guillermina Ortega, Leomar e Irving Domínguez. Enseguida toca el turno a Gabriel Escalante con el tema “Etica y estética del arte contemporáneo” moderado por Fernando Vázquez, finalizando con: "El arte veracruzano contemporáneo. ¿Existe?", Dando a conocer sus puntos de vista Manuel Salinas, Huri Bejau y Mario Islassainz.
Veracruz ha tenido una notable participación en la historia del arte de este país, sus artistas han sido actores fundamentales en la transformación de los procesos estéticos y culturales en México. Es precisamente el Museo de Arte del Estado, el mejor testimonio de ese desarrollo, manifestado a través de su acervo pictórico.

En este siglo que empieza, los museos de México y el mundo deben afrontar retos, desafíos que se encuentran estrechamente vinculados a factores tan disímbolos como son los avances tecnológicos, los cambios en las políticas públicas así como la existencia de sociedades que cada vez participan de manera mas activa en el ámbito cultural. Las comunidades buscan en los museos no solo su reflejo histórico o cultural, también esperan ver en ellos aportaciones a los puntos de vista sobre el entorno: propuestas que abran puertas u ojos al futuro.

Por lo que todas las personas interesadas en asistir, se pueden inscribir antes de las cuatro de la tarde en las oficinas del Museo de Arte del Estado en Orizaba.
*Notas publicadas con motivo del 1er Foro estatal de arte contemporaneo, celebrado en el Museo de Arte del Estado en Orizaba, Ver.

CHANGARRITO EN KURIMANZUTTO

ArmandoMiguelez. Texas. EU.
Leomar. Mèxico. DF.
Marina Sabato. Buenos Aires. Argentina.
Inauguraciòn//jueves 28 de septiembre 2007.
8-10 pm
Kurimanzutto.
Juan de la Barrera 116 Col. Condesa Mèxico, DF.

SIN CENSURA


SIN CENSURA
Ricardo Reyes Arte & Galería LART23tres
México, DF.


La acción de Censurar, viene de suprimir o prohibir la difusión de parte de una obra, en este caso el Censor a partir de un juicio dictamina la cualidad para criticar, corregir o reprobar los escritos y obras destinados a la difusión.


Exposición colectiva con la participación de los artistas, Carlos Ranc (Paris 1968), Rigel Herrera (México 1975), Adalberto Adame (México 1976), Stephany (México 1969), Amor Muñoz (México 1979), Sergio Nates (México 1965) y Leomar (México 1977).

Dicha muestra empieza decodificando la definición de sexualidad y aprovecha este proceso para obtener su propio placer, que puede ser motivado a partir del descubrimiento del cuerpo y la idea de la ruptura entre la niñez y la adolescencia, como en el caso de la obra de Amor Muñoz; el carácter vouyerista en la obra de Rigel Herrera que nos muestra a la mujer como objeto erótico eligiendo sus modelos de revistas pornográficas destinadas a los hombres. Y el caso de las pequeñas pinturas de Stephany, recordándonos las imágenes tipo manga oriental que se convierten en peqResulta interesante como la obra de las mujeres artistas de estaueñas fábulas animadas con una fuerte carga sexual, cabe mencionar que Stephany reconoce el uso de la pornografía como un medio cotidiano de influencia y placer, ya que anteriormente se destacaba como bailarina Striper.La obra de los artistas masculinos de esta exposición muestra sin embargo otro tipo de exploración donde la carga sexual se mezcla dentro del proceso artístico de las obras creando imágenes fuera de foco, como si se tratara de una escena detrás de una cortina de baño o las piezas geométricas de Carlos Ranc donde las escenas se descubren a partir de la distancia del espectador, creando imágenes concientes, o la escena de la figura femenina en la obra de Sergio Nates donde el espectador confronta la imagen de una mujer durante el acto sexual, con carácter de frialdad, alcanzando un nuevo lenguaje del deseo inerte. Y por ultimo las pieza de Leomar, con la migración de pequeñas mariposas creadas a partir de recortes de revistas pornográficas donde el mismo proceso natural que convierten al gusano en mariposa nos remite al momento de fragmentación del ser humano donde se termina la inocencia y se rompen patrones de comportamiento moralmente normal. Esta muestra titulada “Sin Censura” pretende dejar al espectador en el papel de Voyeur, utilizando las armas que la mirada masculina atribuye a las mujeres y de esta forma se convierta el mismo en censor.

MULTICULTURALIDAD: Arte sin limites.


El Departamento de Cultura y Turismo-Institución Príncipe de Viana, a través de su Dirección General de Cultura, organiza la exposición itinerante de artistas internacionales emergentes:

Multiculturalidad: arte sin límites.

La exposición se inaugurará en la Casa de Cultura de Sangüesa el día 31 de mayo del 2006 y realizará paradas en las localidades de Aoiz, Castejón, Tafalla, Estella y Pamplona donde finalizará el veintinueve de noviembre del presente.

Alicia Ezker. Comisaria de la exposición.
Oficina de Arte Contemporáneo
Dirección General de Cultura

Departamento de Cultura y Turismo-Institución Príncipe de Viana, c/ Navarrería, nº 39, Pamplona,España.


TEXTO DE PRESENTACION.

Multicultural
1. Caracterizado por la convivencia de diversas culturas.

Arte
1. Virtud, disposición y habilidad para hacer algo.
2. Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros.
3. Conjunto de preceptos y reglas necesarios para hacer bien algo.

Límite
1. Línea real o imaginaria que separa dos terrenos, dos países, dosterritorios.

El paso del tiempo nunca ha sido un elemento ajeno al arte como no lo es ajeno a la vida. La memoria y el pasado condicionan en muchos casos el devenir y el recuerdo de lo vivido, o de quienes lo vivieron, es a veces una buena guía para construir nuevos futuros.Recordar y conmemorar se ha convertido también en un referente cultural al que no es ajeno Navarra. Si el año pasado, con motivo del IV Centenario de la Publicación del Quijote, y dentro de un extenso programa, se puso en marcha un proyecto para potenciar la creación actual en el campo del arte contemporáneo, con especial atención al arte emergente y con el reto de acercar un acontecimiento histórico con toda su intensidad a la mirada innovadora de los artistas actuales, este año se ha querido dar continuidad a ese proyecto apoyados en la figura de San Francisco Javier, en su vida y en lo que representó para la historia este navarro universal de quien se cumple en este 2006 el quinto centenario de su nacimiento. Por ello, con esa mismapretensión, de unir historia y vanguardia, tradición y modernidad, se planteó impulsar esta exposición de arte contemporáneo. Un proyecto abierto a artistas navarros jóvenes que en su mayoría han realizado una parte de su trayectoria o formación fuera de las fronteras locales o que al menos han vivido en contacto con otras culturas. Esta es por tanto una exposición de artistas, no de obras, en la que se han seleccionado los autores pero no sus creaciones. Alfredo Murillo, Ana Casas, Ana Cobos, David Rodríguez Caballero, Elena Goñi, Fermin Alvira, Gonzalo Nicuesa, Iñaki Lazkoz, Itziar Rincón, Nerea de Diego & Leomar, Patxi Alda, Pedro Marco, Verónica Eguaras, Virginia Domeño y Virginia Santos son los artistas que participan.La idea estaba clara, se trataba de incluir la mirada de los jóvenes artistas en la huella de un personaje histórico. Por ello se pensó en plantear la exposición no como una colectiva de obras referentes a San Francisco Javier sino como una invitación abierta a trabajar desde dos ideas que tienen una estrecha relación con el personaje central: El viaje y la multiculturalidad. El tema, por tanto, es actual, hoy en día más que nunca por la realidad social en la que convivimos, pero con una clara referencia a la esencia de la vida del personaje al que se dedica el programa en el que se incluye la muestra.Porque Francisco de Javier (1506-1552) fue un gran viajero. Estudió en la universidad en París y participó con Ignacio de Loyola y otros compañeros en la fundación de la Compañía de Jesús. Muy pronto inició un viaje que le llevó a recorrer a lo largo de once años, ciudades europeas como Lisboa, Roma o París, pueblos de Africa y de India, de Ceilán y Malaca, de Singapur y Molucas, de Japón y de China. Fue un viajero universal, un hombre de fe que volcó su vida en la ayuda a los más necesitados y que propició contactos entre Oriente y Occidente, mostrando allí los conocimientos de la civilización europea y recogiendo aquí las costumbres y creencias de otras culturas. Se ha dicho en este año Javeriano, que dejó una profunda huella cultural que supo conjugar los valores de Oriente y de Occidente.Por tanto, la idea central de esta exposición de arte contemporáneo es partir de esa huella para reflexionar sobre que es hoy en día la multiculturalidad y el arte sin límites, ni creativos ni espaciales. Lo multicultural como un concepto que en sí mismo defiende la tolerancia y la defensa de la diversidad cultural, sin renunciar en ningún caso al viejo discurso de la modernidad de que todos los hombres y mujeres son iguales. Multiculturalidad, entendida como la unión de diferentes culturas, es una idea, aunque lejana en el tiempo, muy ligada a la figura de San Francisco Javier, a su obra y a su modo de vida a su espíritu viajero y emprendedor. Expresa en sí misma la noción del pluralismo cultural, la no discriminación por razones de raza o cultura y el reconocimiento de la diferencia cultural, así como el derecho a ella, una reacción frente a la uniformidad cultural en tiempos de globalización.Desde esa necesaria reflexión sobre la idea central como punto de partida todos los artistas han tenido total libertad para crear y plantear su obra sin ningún tipo de limite, de ahí el subtítulo de la muestra. El resultado es plural y reflexivo y pone de manifiesto muchas de las inquietudes que rodean a los jóvenes creadores no como artistas sino como ciudadanos, al tiempo que como toda colectiva permite ver por donde discurren las tendencias del arte en Navarra para una determinada generación.Ellos hablan de lo lejano, de lo exótico, de lo próximo y lo desconocido, de Oriente y Occidente; reflexionan sobre la inmigración; sobre la incomunicación entre las personas en un mundo cada vez más global y más interconectado con códigos en muchos casos indescifrables; sobre el valor de la palabra frente a la máquina, sobre la tecnología y su uso; sobre la explotación de algunos pueblos sobre otros. Plantean críticas a una sociedad demasiado materialista, preocupada principalmente en acumular objetos de consumo, una sociedad que en pleno desarrollo sigue viviendo entre guerras; cuestionan la globalización; hablan de la ciudad, de las grandes ciudades como puntos que concentran y expresan mejor que nada la diversidad cultural de nuestrosdías y sobre todo viajan, viajan física y mentalmente en busca de lo desconocido y en busca de sí mismos. El gran reto de todo artista y de toda persona.El lenguaje que utilizan para todo ello es, como no podía ser de otra manera, el lenguaje del arte actual, con soportes que se entrecruzan, sobre todo pintura y fotografía y tendencias que abarcan desde la abstracción a la figuración. Un arte que no entiende ya de limitaciones, que mezcla disciplinas y se acerca sin pudor a las nuevas tecnologías. Arte que habla desde el objetoartístico pero sin convertirlo en el eje central, porque lo esencial sigue estando en la intención del artista y en su propia manera de mirar el mundo y proyectarlo desde su realidad como individuo.

GAL. HECARO: Floures.

Concepciòn Baez.
Pilar Castañeda.
Hector Càrdenas.
Ramses de la Cruz.
Alfonso Duran Vàzquez.
Xavier Esqueda.
Henry Hagan.
Armando Hatzacorsian.
Hugo Laurencena.
Leomar.
Lourdes Perez de Ovando.
Zaul Peña.
Eduardo Pizarro.
Carlos Villegas
Lucille Wong.
FLOURS
EXPOSICION COLECTIVA

INAUGURACIÒN 15 DE JUNIO DE 2006.
17:30 hrs.
GALERIA HECARO
ANTONIO CASO 19, 102-B
COL. TABACALERA CP.06300
MEXICO, DF.

ARBOL DE LA VIDA

THE ANGLO MEXICAN FOUNDATION
INVITA 2o CONCURSO CORREDOR CREATIVO ANTONIO CASO
LEOMAR
ARBOL DE LA VIDA
DEL 15 AL 30 DE AGOSTO
CORREDOR CREATIVO ANGLOCENTRO ANTONIO CASO
ANTONIO CASO 127, COL. SAN RAFAEL
Lunes a Viernes de 10:00 a 19:00 hrs.
Sàbados de 10:00 a 15:00 hrs.

NATURALEZA MUERTA


NATURALEZA MUERTA*
*Estilo pictórico consistente en suprimir cualquier motivo vivo, humano o animal.
Uno de los fenómenos asociados a la globalización es la multietnicidad, es decir, la convivencia en un mismo territorio, ciudad, comunidad, de personas procedentes de diversas áreas del mundo. No es una novedad, sabemos que en todas las grandes ciudades y los grandes imperios de la antigüedad convivían personas procedentes de lugares muy alejados entre sí. Pero si los fenómenos migratorios no son nada nuevo, en estos momentos se están produciendo con una intensidad y generalidad sin parangón en la historia. Estas migraciones pueden referirse a movimientos pacíficos o agresivos, voluntarios o involuntarios.

Casi todos los seres vivos, por irracionales que sean, viajan regularmente huyendo del invierno, pero en un desplazamiento de ida y vuelta, a lugares más cálidos que el de su residencia habitual: ballenas, mariposas, cebras, canguros, grullas, tortugas terrestres y acuáticas, y hasta el plancton, salen todos los años en busca instintiva del sol veraniego.

Ningún tratado menciona casos de animales que migren de lugares cálidos a lugares fríos… Pero al parecer hay un animal que rompe con esta regla: el hombre.

El caso más significativo y que nos concierne, es el de nuestros compatriotas que diariamente cruzan la frontera norte en busca de mejores condiciones de vida. Atraídos por la esperanza de lograr el “American Dream”, miles de mexicanos migran constantemente a los Estados Unidos. Y aunque la atracción a la luz que irradia este sueño sea casi tan irresistible como lo es para las mariposas nocturnas… el resultado es igualmente peligroso para ambas especies.

En “Naturaleza Muerta”, Leomar nos invita a un recorrido casi transmigratorio -en donde se admite el paso del alma humana ya sea a plantas o animales-, quitándole el sentido filosófico y religioso de purificación o castigo a causa de faltas cometidas en vidas anteriores, dejándolo exclusivamente en la forma “romántica” del humano, que toma la figura de un animal para poder emprender el recorrido a tierras distantes.

A través de pinturas que fungen como anotaciones, de anaqueles y de peceras que contienen objetos recordando un museo de historia natural, el artista nos prepara para el final del recorrido, donde encontraremos un idílico jardín: cascadas de luz, estanques de agua y enredaderas, brindan escondite a tímidas mariposas y pequeñas aves.

Pero mirando atentamente, descubrimos que este paraíso no es lo que parece. El agua es tan sólo un espejo, las enredaderas son artificiales y las esferas de luz que giran constantemente invitando a acercarse a estos oasis, pudieran ser trampas fatales.

Esta naturaleza completamente inerte, fría, sintética y tecnológica, nos remite a la tragedia de las migraciones forzadas, en donde cegadas por el brillo de los reflejos luminosos de un anhelado porvenir, miles de personas desafían las leyes de la naturaleza y se encaminan rumbo al hemisferio norte, no precisamente en busca de un clima más calido, sino de un ‘ideal’ de vida, domesticada…

Y a pesar de saber que están forzadas a esconderse y a buscar una guarida en las orillas, la peligrosamente irresistible belleza del paisaje los incita y seduce a enfrentar el riesgo, pase lo que pase…

Así que pase, no se resista.

Mónica Ashida.
Directora de Arena México Arte Contemporáneo.
Abril 2006.

MASARYK: Arte, Moda & VISA.

VISA reuniò a los mejores artistas y las mejores boutiques de Masaryk en el 1er Corredor de Arte y Moda en Mèxico.

Orfeo Quagliata - Teresa Terrano - Pablo Castillo - Chuck Ramìrez - Manuel Pardo - Fabian Ugalde - Leomar

masaryk: arte,moda & visa

el arte contemporaneo se ponde de moda

Arte y moda suman varias décadas de aportaciones culturales a una sociedad cambiante y contemporánea, realizando las inquietudes que ambos mundos comparten.

Ambos universos estuvieron más unidos a principios del siglo XX que en la actualidad, cuando los artistas no distinguían la diferencia creativa de producir una pintura o un diseño textil originales que serían reproducidos. Ambos eran actos de creación igualmente válidos.

El reconocido modista Paul Poiret empleo a artistas parisinos y colecciono sus trabajos. Acudió a galerías y se mostró atraído por los pintores impresionistas cuando estos no gozaban del gusto del público ni de la crítica. Poiret se convirtió en un devoto del arte moderno y solía decir de los pintores que “estamos en el mismo camino y por ello los siento como mis colegas”. Con pintores como el fauvista Francis Picabia, Maurice Vlaminck y Andre Derain compartía el amor por los colores brillantes y coleccionaba piezas de Picasso, Matisse, Dufy, Roualt y Utrillo.

Su paso por el diseño de vestuario para teatro y danza dejaron en Poiret una huella profunda que se traslado a sus diseños, siendo el Ballet ruso una de sus grandes pasiones, de la cual extrajo motivos orientales que pronto llevo a sus creaciones. Las telas grabadas y estampadas pronto se convirtieron en una constante en el diseño de moda, gracias a la relación de Poiret para una edición limitada: “Les Robes de Paul Poiret; racontèes par Paul Iribe”.

Pero no solo Poiret se dio a conocer por su sólida relación con el arte y sus creadores, otros diseñadores de moda en la primera mitad del siglo XX hicieron lo mismo, y coleccionaron obra tan constantemente como amigos dentro del universo de las artes, propiciando las colaboraciones de incontables pintores en el diseño de colecciones y objetos, así como de proyectos conjuntos que hoy son recordados y reconocidos.

El interés de los artistas en la moda no se restringió a Francia, de la escuela de Glasgow hasta los Constructivistas rusos, muchos participaron y se interesaron en el diseño de vestuario, la ilustración, el diseño teatral, el arte decorativo y la publicidad, tomando parte en exposiciones internacionales y estrechando cada ves mas los lazos entre arte y moda. El desarrollo estético del arte moderno puede rastrearse al revisar la evolución de la moda y sus diseños, que se reflejaron en el Art Nouveau en su interpretación de la mujer y sus atributos.

Al final de los años 2º una nueva estética se impuso, hoy conocida como Art Deco siendo una combinación de aportes del cubismo con un embellecimiento sinuoso. Una vez más, los patrones de diseño y la moda hicieron eco de estas innovaciones, mostrando la conexión con la velocidad de la vida y el arte modernos. Nuevamente, la moda reflejo y absorbió la estética de su tiempo. El Art Deco se transformo en un, movimiento del que la moda tomo un claro ejemplo para seguir sus líneas, tomando así todo el efecto cubista en diseñadores como Anna y Laura Tirocchi, trazando una línea delgada pero visible y definida, la cual dio un nuevo giro a la moda, generando ciclos que se renuevan constantemente en cada época.

El caso de Andy Warhol expresa claramente los profundo nexos entre la cultura contemporánea ofrecidos por el arte y su relación con la moda de cada época. En 1945 Warhol ingresa en el Instituto Carnegie de Tecnología, donde cursa estudios de diseño y recibe una formación artística poco convencional. Durante las vacaciones de verano trabaja como escaparatista en unos almacenes, donde toma contacto, por primera vez, con lo que sería su ambiente especifico: el mundo del consumo y de la publicidad. Trabajará para revistas tan conocidas como Glamour, Vogue, Seventeen, The New Yorker, Harper`s Bazaar y Tiffany & Co. como ilustrador comercial.

En 1963 traslado su estudio al 231 de la calle 47 Este, que empezara a ser conocido como The Factory (“La Fabrica”). La metamorfosis de Warhol – y su significado para la historia del arte- es muy espectacular: de artista privado pasa a ser el jefe de una fábrica de trabajadores del arte en la que se pueden producir obras como en una cadena de montaje; el decía que “la razón por la que pinto de esta manera es que quiero ser una maquina, y siento que siempre he querido serlo”. Con los ayudantes y asociados –entre los que destacaba el nombre del joven poeta Gerard Malanga- creó a su alrededor una corte al estilo renacentista para mantener un alto nivel de producción y satisfacer su necesidad de seguridad; por otro lado, Warhol siempre estuvo abierto a las sugerencias ajenas. Además d e lugar de trabajo, The Factory es también su residencia, trasformada por la decoración de Billy Name en una especie de Merzbau de papel plateado. Por ella pasaron todo tipo de personajes: estudiantes, artistas jóvenes, actores, músicos, y se convirtió en un verdadero centro del mundillo cultural de la ciudad. La forma en que opera puede parecernos hoy muy similar al de las grandes firmas de la moda.

De esta forma, hoy se plantea como algo natural renovar las relaciones entre moda y arte contemporáneos. De ahí que hayamos impulsado el Primer Corredor de Arte y Moda patrocinados por VISA, que se realizo en las más exclusivas boutiques de Avenida Masaryk en noviembre pasado.

VISA agradece a todas las empresas que contribuyeron a la realización de este exitoso evento.

The Luxury Collection.
O Galeria.
NOKIA.
BANCO AZTECA.
BBVA Bancomer.
BANORTE.
HSBC
IXIE
Spira.
BANG & OLUFSEN.
EMPORIO ARMANI
Hermenegildo Zegna
FRATTINA
LOEWE
MONT BLANC
rochebobois.

SCOPE MIAMI 05

Scope Miami 05.
Booth: Galeria Reyes + Hass / Mèxico City
featured artist:
Carlos Ranc - Leomar - Cisco Jimenez - Stephany
Thomas Glassford - Alejandro Pintado

Vista del stand durante la feria. Scope Miami 05

SKATEBOARDING=Crime it`s Contemporary Art


Skateboarding = Crime
It`s Contemporary Art



La cultura del skate es diversa y rica. Abarca todos los estratos sociales, subculturas e incluso género y edades. Desde rebeldes hasta jóvenes profesionales y desde punks hasta fresas usan y conjugan el patín como medio de transporte, como deporte y como expresión vital de libertad tanto social como personal.
SKATEBOARDING = CRIME es una exhibición que examina diversas expresiones artisticas y de estilo de vida ligada e informada por la cultura del skate y presentara diversas obras que articulen para el espectador aspectos clave. Junto con ser una expresión global, la cultura skate, como parte intrínseca de la cultura juvenil es un laboratorio y arena efervescente de impulsos globales de la cultura general, desde actitudes sociales hasta indumentaria, de músicas a posiciones ante la ecología.
Asimismo, inspirados por recientes propuestas expositivas en el Palais de Tokio en Paris sobre la figura clave de la cultura skateboard en el sur de California, Ed Templeton, y la actual exposición en el Museo de Vancouver, Skateboarding Vancouver, nuestra propuesta argumenta que la practica del patín y la cultura skate es una expresión positiva que contribuye a la calidad de vida en general de la población urbana.
Si bien el entrono urbano marcaba la cultura del skate, hoy en día la influencia es mutua, también la cultura del skate marca lo urbano. Ya en muchos países los planificadores urbanos y arquitectos toman en cuenta a la cultura skate en sus propuestas.
Para los skateboarders la ciudad es un campo de acción, una casa, un espacio al que conocen de manera intima. Familiares con cada banqueta, cruces, y tramos de concreto, la ciudad para los skateboarders es un paisaje vivo, es su parque de diversión, es su espacio en el cual ejercen su libertad.
Curatorialmente SKATEBOARDING =CRIME se propone mezclar culturas, la del arte y la del skate. En términos del espacio, la galería principal esta dedicada a la muestra de expresiones visuales, ya sea de artistas reconocidos y emergentes así como de jovenes de la cultura skate.


Artistas que participan:


CISCO JIMÈNEZ BETSABEÈ ROMERO GABRIEL DE LA MORA FABÌAN UGALDE CARLOS RANC MÀXIMO GONZALEZ LEOMAR MAURICIO ROSADO STHEPANY TITO LARA JAIME GIL JJ SAURO, TAVO Y MARTÌN-LUDICA ATELIER MORALES OMAR BARQUET WATCHAVATO COLECCIÓN 88 RAGE EQUIPO DE DISEÑO ORIGINA


La exposición permanecerá abierta del 22 de septiembre al 21 de octubre de 2005 en las instalaciones de O- Galería (Mazaryk 49, Col. Chapultepec Morales. C.P. 11570 mexico, DF).



La inauguracion.....


El montaje de la obra...

MACO 05

Maximo Gonzalez, Monica Ashida y Leomar en la fiesta de inauguracion de MACO 05 en el Museo casa de la Bola. Cd. de Mexico. DF.

EL DINAMISMO IMAGINARIO

EL DINAMISMO IMAGINARIO EN LA OBRA DE LEOMAR
Por Marìa Teresa Espinosa

La obra de Leomar incita a la tentación de la significación mas allá del encasillamiento, a la par que convoca a la interpretación poética. Para no ignorar la riqueza imaginaria de las obras en cuestión, a través de su trabajo más reciente como piezas enigmáticas, perversas e insinuantes pero siempre contrastadas con nuevas formas y nuevos materiales.


La evidencia matérica en su trabajo pesa sobremanera en la recepción de las obras. Por la vía de la exaltación o de la reprobación de lo matérico, puede conducirse toda una investigación para descubrir los usos de los materiales que utiliza, destrucción de la materia y el soporte como algo más concreto que la metáfora deconstructiva. Adlingüisticidad seria correcto llamar a su trabajo actual como lo haría Lyotard (1986) a la condición actual del arte como ese juego abierto de conexiones de lo que le venga en gana al artista. En el entendido de que la obra resultante manifieste una presencia matérica que no fatigue su utilización, ni recurra a la añoranza como recurso para entender que pasa en su propuesta artística.
En este sentido su trabajo más reciente aunado a los proyectos desarrollados en distintos espacios y galerías lo van acercando a la estética de las transformaciones. Tiene que ver esto con el regocijo profundo de la trasgresión donde su propuesta mas libre utiliza todos los recursos para luchar contra cualquier definición estrecha al canon de su obra.


Hecha esta precisión, nos acercamos por la vía de la abstracción a la comprensión de su propuesta plástica. Compleja y sugerente de sutiles señales solo apreciables por la mirada minuciosa. En efecto la obra de Leomar es comprensible a la mirada por la vía compleja estrictamente material y no solo matérica. El sentido en su obra es dar a entender las cosas, la humanidad y la naturaleza como una complicada red interactiva no solo condicionada por su interna legalidad discursiva, sino movida por referentes históricos y sociales imposibles de captar por sujetos pasivos y contemplativos.

El dinamismo imaginario del artista exige así tomas de posición para ir al fondo de las evidencias, de las interpretaciones, de la naturaleza como medio inerte en el planteamiento de su obra. Y da a un nihilismo interpretativo de su propuesta, un sentido profundamente positivo contra todo lo existente para construir otro mundo exigido en otras condiciones creativas.

Su trabajo se despliega las màs de las veces en el intercambio simple de la corporeidad del objeto con las apariencias distintas a toda realidad, de esta manera cada pequeña pieza favorece la impresión de masa interventora del espacio. La obra no resulta en este sentido estática a pesar de las corporeidades no estilizadas de acuerdo a canones clásicos de belleza, sino que el entrelazamiento de cuerpos significados por su sutil presencia dota de dinamismo interno a la obra en su conjunto.


Resulta de todo esto la emoción estética de la interpretación abierta irreductible a canones clásicos y a experiencias narrativas que den a entender la vida intensa de obras habitables, como transformación de los espacios, cuando lo que el artista nos propone es el recurso de la interpelación de lo imaginario.

Abril 2006.

BIENAL DEL SURESTE


BOLETO PARA UN ETERNO RETORNO

“BOLETO PARA UN ETERNO RETORNO”
Por Naty Rigonni Olivo.


Encontrarse con la obra de Leomar es sinónimo de cuestionamiento, de reflexión… y es que, a sus 22 años, el artista nos ofrece ya una verdadera propuesta estética –muy acorde a esta mutación secular- valiéndose de una serie de elementos un tanto sorpresivos, contrastantes, cotidianos, pero escasamente recurridos en la plástica tradicional.

A finales de la década de los setenta ya se gestaba lo que hoy se conoce como artes conceptuales, cuyo fin es trasmitir un concepto estético por sobre una emoción estética y, por sobre una perduración en el tiempo mas allá del tiempo de exposición de la obra misma; coincido con Raúl Herrera, al afirmar que el concepto al ser variable “se convierte en un laberinto de infinitas ramificaciones”. A diferencia de los setenta, donde la experimentación todavía significaba cargar un estigma, los noventa vienen a ser propiamente una década de experimentación plena, conciente, apoyada –e incluso celebrada-, en su mayoría tanto por artistas, críticos y publico en general.

Así pues, tenemos que El Eterno Retorno, es un concepto antes que nada emocional, intenta trasmitir visualmente una recuperación de esencias. Es una exposición cíclica, de maduración infinita, de constante cambio, se plantea y se replantea hacia donde va… esta explotando y reintegrándose una y otra vez. El Eterno Retorno, es una selección de piezas: pintura, arte-objeto, intervenciones, e intervenciones incluso sobre diversas vertientes del arte: fotografía, escultura, pintura; todas con el fin de hacer patente las interrogantes y la visión que Leomar tiene respecto al arte: Es un asunto difícil de discernir, el arte es como un golpe, así directo, contundente, efímero… el arte es digno de ser cuestionado”.

Por si todo esto fuera poco, la propuesta de Leomar, tiene un acierto más, esto es: montar una exposición de vanguardia, con la calidad de cualquier otra a nivel nacional, dentro del marco de una región tradicionalista. Este y otros aciertos, obviamente conllevan un riesgo, la vaga o nula justipreciación a esta propuesta. Así mismo, conlleva una exigencia hacia el artista: Constancia.

Eve Gil define a Leomar como “un niño con alma de viejo”, lo define también como “un nómada, un artista en constante búsqueda”. Definiciones exactas, creo yo, para un joven artista que se ha decidido por salvar distancias y brindarnos un boleto para un eterno retorno al cuestionamiento estético, a la recuperación de esencias, a la búsqueda de nosotros mismos.

Noviembre 1999.

*Nota publicada con motivo de la exposición “El Eterno Retorno”, Galería principal del Teatro Ignacio de la Llave, en la Cd. de Orizaba, Veracruz.